'캐릭터 디자인’이라는 불리는 실무 작업은, 우리가 일반적으로 단어의 의미 그대로를 상상해서 떠올릴 수 있는 그 내용과 근본적으로는 크게 다르지는 않을 것이다.

‘특정 인물의 성격 및 역할 그리고 그 인물이 존재할 공간 및 세계관 등의 서사적 요소를 종합적으로 고려해 정체성을 확립하기 위한 신체적인 특성이나 개성을 돋보이게 하기 위한 코스튬(의상)과 아이템(장비적 요소)을 디자인해 총체적으로 구성, 제안한다. 지금부터 캐릭터 디자인 산업에 대해 고찰해 보겠다.

캐릭터 디자인이란?

캐릭터 디자인 작업을 위해서 디자이너는 사전에 기획문서나 RFP의 요구내용을 제대로 파악하고 방대한 자료 속을 헤매게 된다. 거기에는 언급된 것처럼 사람의 이목구비, 인체의 비율, 근육의 양, 시대별 의상과 민족 별 전통 등, 모든 문화적 요소들이 다 해당될 것이다. 심지어 지구상에 존재하지 않는 것들까지도 포함해서 말이다.

이것은 비단 게임뿐만 아니라, 코믹스, 애니메이션 또는 영화 미술 등 어떤 매체에서나 작화 행위를 통해 기획 내용을 시각적으로 구체화 시키는 작업은 흡사한 형태로 존재할 것이다.

하지만 이러한 작업 과정과 그 결과물은 비슷해 보일 수 있을지 몰라도, 보다 실무적인 실효성을 가지기 위해서는 그 분야에 따라 엄격하게 디자인의 접근의 기준이 달라진다고 볼 수 있겠다.

예를 들어, 코믹스나 애니메이션 작화라면 일일이 반복적으로 사람이 그려내야 하는 부담을 덜기 위해 아름다움을 유지하기 위한 노력 안에서 되도록 단순화(Optimizing)를 고려하지 않으면 안 된다. 또는 영화미술 쪽이라면 실제 구현 가능한 직물이나 소재들로 접근하되, 보다 실제적인 존재감이 요구될 것이다.

이렇듯 본문의 주제인 ‘게임 개발을 위한 캐릭터 디자인’ 작업에서도 게임이라는 매체의 특성에 따른 구별된 미술적, 기능적 가치 기준이 있다. 게임 캐릭터 디자인이라는 분야를 따로 깊이 있게 다루고자 한다면, 이 주제만으로도 상당한 내용의 학술적인 고찰이 나올 수 있을 것이고 미술의 미학적 관점에서 이야기하자면, 또한 상당히 관념적인 이야기나 진부한 내용이 될 수 밖에 없다. 따라서 여기에서는 게임이라는 분야의 ‘미디어로서의 특수성’과 ‘구현환경에 대한 기술적 이해’를 바탕으로 접근해 보는 기회를 만들어볼까 한다.

'아트'가 아닌 '디자인'

먼저, 많은 게임 일러스트레이터 지망생들이 착각하는 부분이라고 생각한다. 게임 캐릭터 디자이너는 ‘아티스트’가 아니라 ‘디자이너’다. 말장난처럼 들릴 수도 있겠지만, 작업의 형태가 같은 ‘드로잉’이라고 해서 혼동해서는 안 된다. 예쁘고 멋진 그림은 그냥 그대로 훌륭한 그림일 뿐이다.

소비자들이 온,오프라인의 광고를 통해 접하게 되는 ‘캐릭터 일러스트레이션’이나 ‘포스터’는 엄밀히 따지자면, ‘캐릭터 디자인’과는 다른 ‘마케팅 리소스(홍보용 재료)’로 구분될 수 있다.

이 부분이 보통 디자이너가 홍보용 일러스트레이션까지 제작하게 되는 경우도 흔하고, 규모가 작은 제작사에서는 프로세스를 구분하지 못하고 혼재해서 진행하는 일도 더러 있어, 많은 작업자들이 바르게 인식하지 못하는 경우가 많다.

이 말의 의미는 우리가 제품이나 공업 디자인을 생각해보면 이해가 쉬울 것이다. 디자이너란 우수한 최종 결과물을 위한 설계를 제안하고 끌어가야 하는 역할이다. 따라서 다시 한 번 본문의 주제를 분명히 환기하자면, 게임 속 캐릭터를 디자인하는 작업을 위해 필요한 내용과 소비자를 대상으로 어필하기 위해 예쁘게 그려내는 작업과는 별개임을 인지하기를 바란다.

자기만족을 위주로 그린 그림은 제아무리 훌륭한 아웃풋이 도출되었다고 하더라도, 개발 환경의 조건 및 기획방향과 부합되지 않으면 쓸모가 없어진다.

그렇다면 우선 여기서 말하는 개발의 ‘환경적 조건’이란 어떤 것들이 기준이 될 수 있을까?

예를 들어 시각적인 구현방법만을 놓고 분류해 보자면, 흔히 ‘도트’라 불리는 스프라이트 기반의 ‘픽셀 그래픽’, 일반적으로 2D그래픽으로 불리는 표현방식 그리고 3D에서도 크게 ‘로우폴(low Polygon)’로 불리는 논 셰이딩 기반과 근래 ‘노멀맵’으로 대표되는 셰이딩 방식으로 구분할 수 있겠다.

이런 조건은 제작하게 될 게임의 장르와 그에 따른 시스템적 특성이 정해지면, 그것에 어울리는 그래픽風이 정해질 것이다. 이런 요소들이 전제되면 그래픽 개발자는 자신이 사용하게 될 엔진의 사양과 특성을 파악하기 시작한다. 이 과정에서 언급한 조건들 중에 해당되는 환경을 부여 받게 될 것이다. 그렇다면 각 조건의 차이는 디자이너의 작업에 어떤 변화를 주고 요구하게 되는가?

스프라이트 기반의 캐릭터 디자인

우선 저해상도 2D기반의 환경일 때는 유저의 기대관점이 ‘일러스트레이션’과 ‘인 클라이언트 리소스(게임 속의 캐릭터)’와 아예 구분되어 있었으므로, 어떤 의미에서는 수월했다고 볼 수 있다.

그래서 80년대에서 90년 중 후반까지 대세였던 스프라이트 시절에는 캐릭터 디자인에 있어 큰 덩어리의 분할과 색 배치를 통해서, 단순하면서도 효과적인 인지력을 끌어내는 감각이 매우 중요했다고 볼 수 있겠다. 따라서 원화 작업자는 자잘한 세부 디자인이나 치장 오브젝트의 물리적인 설득력에 있어서는 보다 자유롭게 취향대로 처리하거나 혹은 뭉개버리는 일도 수월했다. 그래서 이 시절엔 오히려 좋은 원화보다 감각 좋은 픽셀 아티스트들이 더 우대받는 상황도 일반적이었다.

이 또한 고해상도 디스플레이가 일반화되면서 그 갭이 많이 줄어들기는 했지만, 결국은 일정 해상도 범위 안에 갇혀있는 편형 이미지였으므로 원화작가에게 있어서는 개발의 기술적 특성에 휘둘리기보다는 ‘단순화(Optimized)’의 미학에 기초를 둔 만화나 애니메이션 캐릭터를 디자인하는 감각에 가까운 작업이었다고 할 수 있겠다.

최근에는 모바일(Mobile)용 게임이나 애플리케이션(Application)형태의 게임에서 그 제작 기법이 아직도 많이 활용되고 있다. 하지만 3D표현 기술이 안착되고 캐릭터의 개체당 운용 메쉬(Mesh)가 3000개 이상을 구현하던 시점에서는 일러스트레이션의 캐릭터와 클라이언트 속 캐릭터의 일관성을 유저가 요구하는 것은 당연한 기대로 바뀌었다.